几乎所有人都从《魔笛》里找到了童心

最近大概没有哪部剧有《魔笛》热。

上海大剧院新演出季以柏林喜歌剧院版《魔笛》揭幕，这也是该版制作首次亮相中国。对不常上演完整制作歌剧的上海来说，这道大餐让人久等，它也确实不负众望，堪称上海古典音乐的“年度大戏”。

情节上，《魔笛》并不是跌宕起伏的作品，故事还是王子救公主的套路，但与其说是正义战胜邪恶，不如说着墨于主人公如何在“神启”之下经受考验，最终获得幸福。

巴里·科斯基将其诠释成一部20世纪初期魏玛共和时期的影片，以卡巴莱表演为代表的大众娱乐元素在此大行其道，带有强烈时代、地域特色的颠覆，为这个平铺直叙的故事加入了新鲜看点。观赏过程中，不少儿童看得入迷，即便语言不通，他们也可通过夸张造型和画面，喜欢上这个故事。

更令人赞叹的是该版制作对台词的处理，也可以说是最大胆的改动。莫扎特在《魔笛》中已不再安排意大利歌剧中的宣叙调，作为一部真正从德国文化脱生的“歌唱剧”，这里只有咏叹调和德语对白。对上海观众来说，听大段德语白话无异天书，科斯基干脆将台词拿掉，改用默片方式呈现——巨幕上显现对白文字，演员跟着做夸张表情，伴奏音乐包括莫扎特的《d小调幻想曲》，这种做法并无出处，但无法否认，这是故事陈述方式的一种探索。

整部《魔笛》全在一个巨大背景板上演出，除了出现过两次的手帕是实物，高清动画投影给出了几乎所有的场景和道具。显而易见的好处是节约物料，且便于全球巡演。

最大亮点，还在于投影的万千变化。除了默片风格，投影还加入了粉红小飞象、代表爱情的花朵、夸张的烤鸡制作流程等漫画视觉，大大增强了幻想性，几乎所有观众都从中找到了童心。最好玩的是帕帕盖诺身边的猫总是无动于衷，旁若无人，即便他要寻短见也毫不在乎。魔铃让人跳起卡巴莱“大腿舞”，塔米诺王子进入试炼后遭遇的种种夸张图景，都与20世纪初期的艺术风格相关。或许，只有当时表现主义者的天马行空，可以适配《魔笛》的想象空间。

相比许多以唱为主的歌剧作品，《魔笛》和莫扎特的许多作品对表演有极高要求，柏林喜歌剧院也确实在表演上下足了功夫，让人体验到什么是真正的“看歌剧”。

柏林喜歌剧院此番前来的独唱，基本都是剧院的签约歌手，均接受过严格表演训练，也难怪他们可以在高悬的机关上自如演唱。尽管脚下活动的区域只是一个半径为脚长的半圆，他们依然可以花样迭出做出各种动作。第二幕帕帕盖诺与帕米娜公主赶路寻找塔米诺那一段，两人假作在屋顶跑步，逼真异常。

演唱方面，饰演夜后的花腔女高音克里斯蒂娜·普利茨戏份不多，却获得两次满堂喝彩。除了她的稳定发挥，莫扎特为其表姐特别创作的“夜后”咏叹调也非常讨巧。饰演三位小天使的男童也出色。让人深感意外的是闻名国际乐坛数十年的阿诺德·勋伯格合唱团，之前的宣传未见着重推荐，许多观众表示到了现场才在节目单看到他们的大名，是为一大惊喜。多年来，他们和奥地利指挥名家哈农库特的合作关系最为卓著，其共同录制的《安魂曲》、《卢奇奥·希拉》等莫扎特作品广受关注，《魔笛》一剧，他们更受已故指挥大师阿巴多提携，合作录音曾获多项大奖。

大开眼界的同时，《魔笛》也给我们带来了启示：国外在制作、演绎歌剧方面的沉淀的确丰厚，中国作为古典音乐的输入国，还应在硬件不断完善的同时，更注重软件的培养。我们诚然在创造力上有差距，迎头赶上却也并非造几座华丽剧场就可以解决。如何挖掘培养人才，提供艺术创作的良好环境，是当务之急。

此外，三个多月下来，上海已是第二次向日本的乐器代理商租借击弦古钢琴，国内古典音乐行业的细分领域还有许多需要补白的地方。

《魔笛》最让我感慨的还是莫扎特音乐本身的魅力，是他巧夺天工的创造，让后人有了发挥的无穷可能，一首首晶莹甜美的咏叹调，是这位早逝天才留给我们的最大财富。或许数年后，我们也会引以为傲地自制《魔笛》、《唐璜》、《费加罗的婚礼》……