现场｜首届北京艺术双年展启幕，以“共生”开启艺术浪潮

12月30日，2022首届北京艺术双年展在国家对外文化贸易基地（北京）开幕。

北京艺术双年展以“共生”为主题，涵盖了北京多元艺术生态共时性发展，也包含了北京艺术生态从过去、现在到未来的历时性发展和展望。展览呈现了来自20个国家和地区的240位艺术家的390多件作品，展览的主题聚焦于思考在后疫情时代构建人类命运共同体，阐释人类文明与自然生态和谐共存、数字科技与创意设计融合发展的新发展理念。

展览现场

据悉，2022首届北京艺术双年展采用了“1+2+3”的模式，即：一个主会场（国家对外文化贸易基地），两个分会场（北京友谊商店、木木美术馆钱粮胡同馆），三种展览形式（主题展、平行展、卫星展），持续不断地展示北京的多元面貌。

同时，“共生”也包含了在数字技术和网络科技加速发展下，虚拟世界与现实世界的共生、数字科技与艺术创意的共生、数字创意与现实生活的共生关系。 今届双年展从全球与在地、城市与精神、观念与技术、青春与创造、生态与美学、传统与前卫、民族与文明等多重议题切入，邀请了各个艺术领域活跃的策展人和学者担任版块策展人。通过“唤醒石头里存在的生命”“蓝图北京”“无尽的交谈”“可见的浪漫：有关北京的记忆与想象”“幻方：艺术与文学的互映”“大地热流：回到太阳时间的访客”“英姿”等七个版块，分别阐释“共生”这一主题。据悉，本次展览将持续至2023年3月12日。

展览现场

澎湃新闻记者在现场看到，由杭侃策划的“唤醒石头里存在的生命”、由朱朱策划的“无尽的交谈”和由房方策划的“可见的浪漫：与北京有关的记忆与想象”（第一部分）三个主展单元呈现于国家对外文化贸易基地（北京）。

从“唤醒石头里存在的生命”看起

云冈石窟位于山西大同。世界遗产组织评价云冈石窟“代表了公元5世纪至6世纪时中国杰出的佛教石窟艺术。其中的昙曜五窟，布局设计严谨统一，是中国佛教艺术第一个巅峰时期的经典杰作。”

云冈石窟中，第20窟隶属北魏高僧昙曜所开创的昙曜五窟，它是“云冈模式”开启的标志，如今也是云冈石窟的标志。但第20窟今日所呈现的形态并不完整。西立佛原高近10米、体量巨大，拼对复原困难重重，展览中，艺术家们通过技术手段、数字复原重现1500年前塌毁的云冈石窟20窟的原貌。

云冈第20窟复原图与西立佛残块

3D打印复原技术的使用也让我们更加身临其境地感受实物的风采。现场展览的一座浮雕，其物质实体位于云冈石窟第十窟窟前室北壁明窗与拱门之间，须弥山层峦叠嶂，山腰二龙交缠，山间有茂密的丛林和竞奔的动物。两侧三头四臂的阿修罗天与五头六臂的鸠摩罗天手托日月，充满了异域风情。展览中以3D形式还原了这座云冈石窟第十窟须弥山的浮雕。

第十窟须弥山的浮雕3D打印局部

第十窟须弥山的浮雕3D打印局部

现场也展示了一颗3D打印的佛眼。1985年的一个春日，云冈石窟文物保管所收到一封由中国文化部文物局（国家文物局前身）转来的信。这封信是著名考古学家宿白先生写给时任中国文化部文物局局长吕济民的，其中提到美国堪萨斯纳尔逊博物馆退休董事史协和先生赠送云冈石佛陶眼一件，希望转交云冈方面保存。经过沟通、接洽，7月19日，云冈石窟文物保管所派人赴京，护送陶眼回归云冈。

 宿白先生的信 复印件 

云冈石窟17尊大佛，共计遗失眼珠31个。2006年，日本学者冈村秀典在一部著作中披露，京都大学人文科学研究所收藏有两件佛眼，属于云冈石窟第8窟内佛像。专家们经过对大佛双目孔洞的逐个测量分析，认为回归的这件陶眼应该属于第19窟或第18窟的主佛。陶眼球面上留有烧制时出现的近圆形凹状疤痕，可能用来装嵌佛眼时完成衔接。其安装过程大致如下，首先在大佛眼洞内填充黄色黏土，再将锥形陶眼嵌入，最后进行固定。

3D打印佛眼

展览中，也围绕曾经获得全国十大考古新发现的云冈第三窟窟前遗址发掘所揭示的遗迹现象，向观众展示云冈石窟开凿的过程。与泥塑不同，云冈石窟是依山势整体开凿。开凿如此规模的大型石窟群的石匠的艺术想象力、设计能力、工艺技术的要求非常之高的。第3窟开凿于5世纪末期，窟外面阔约50米，崖壁高约28米。如此长时段、大规模的石窟工程是如何组织并实施的，又是缘何抱憾中止的？展览通过多媒体复原等手段，结合资料照片，向观众展示云冈石窟以及造像的开凿方法和开凿顺序。

云冈石窟第3窟东前室带开凿痕迹的基岩地面

“无尽的交谈”

 艺术的本质可以被理解为无数种形态的交谈：艺术家与自我、与他人的交谈，与艺术史、人文领域以及众多学科的交谈，与自然、历史、现实和未来的交谈，同时也是一场有限与无限的交谈，而伟大、赤诚的艺术作品能够穿越不同的年代、背景和局限，与后世的心灵形成直接的、精神性的交谈，能够为人类社会开启更好的、甚至全新的相处模式带来启示。

 国家对外文化贸易基地（北京）呈现的第二个展览“无尽的交谈”分为三个主题。

 其中，“灵光之思”章节侧重于数字图像对于个人经验的介入：数字技术带来了跨地域、跨年代和跨领域的全球图像资源共享的可能，同时也导致了图像的泛滥和过度生产。展览中，对于饱含着瓦尔特·本雅明所言的“灵光”（Aura）的艺术史遗产，和如今不断衍生的数字图像的思考、再利用和重构，构成了艺术家解读和叙述个人经验的重要维度和方法论。

展览现场

现场展品之一为孙一钿的《密涅瓦 双联》。“中国制造”给了孙一钿无限灵感，由此开启了一段“人造物”之旅。满是塑料感的玩具和粗糙又廉价的印刷品，反而点燃了生活的真实灵魂。这种流水线式的生产品，更像低配版的神的创世，人在造物的过程中，充满了不确定性也正是这种不确定性，让物的价值变得不可捉摸。

展览现场，孙一钿的《密涅瓦 双联》

史国威《有风景的房间》拍摄于植物园的暖房。一大片巨大的热带沙漠植物被搬到一个大玻璃房间里以供人们欣赏。如同动物园。艺术家当时想要传达的信息是：我们人为的把在自然界不可能同时出现的物种，集中在一个看似很符合逻辑的场景，加以美化。但这却是一个不自然的美丽景象，画面中的巨大植物的色彩比较诡异，即接近其真实的颜色，却带有说不出口的“假”的色彩，加上更富喜剧化的背景天空，点明了主题，这是一个不真实的却时时存在着的实物景观。也暗指我们的真实却虚幻的世界。

展览现场，史国威《有风景的房间》

马蒂亚斯·魏舍尔是新莱比锡画派的成员之一。布满家具和其它物品的锈蚀、破旧的废弃房间，画面极具张力和混乱感，通过虚幻的剧场感和超现实主义对空间和形式的操控，打破了这些空间的和谐与秩序。

展览作品

此外，诸如陈可《普雷勒尔之屋 No 1》、刘野《傍晚的李特菲尔德别墅》也因平面和立体的并置和丰沛的色彩让人印象深刻。

 陈可《普雷勒尔之屋 No 1》

刘野《傍晚的李特菲尔德别墅》

“栖于息壤”章节侧重于生态环境对于艺术生成过程的介入：正如人类和自然始终保持着牢不可破的联系，个人和群体在成长、栖居或迁徙所面对的环境变迁一直都是重要的艺术主题，其中也关涉着现代性和景观社会的反思。艺术家们的工作方式往往更为综合，结合和延展到田野调查、历史考古等维度，在创作形态方面，不仅体现于在地性材料的择取和运用，不少作品的生成过程结合了自然的作用力，如气候，风力、水流、培植过程等因素，以致作品本身就构成了混合的生态系统。

展览现场

现场有多件影像作品，程新皓《还归何处》，每逢夏秋时节，季风带来的降水引发山洪，会将山上老林中的树木冲到村庄旁。2019年3月22日傍晚到23日凌晨，艺术家扛着一条被洪水冲到下游的原木，沿着河流上溯，将它送回了源头的瀑布下。这里也是中国的国境线所在。

展览现场，程新皓的影像作品《还归何处》

刘雨佳《黑色海洋》描绘了被摧毁与被建造的人类风景。它受到了意大利小说家-伊塔洛·卡尔维诺的小说《看不见的城市》的启发，由一些短小的章节构成，其中交织着马可波罗与忽必烈关于想象中的城市与风景的叙述、辩论与诘问。

展览作品

向京的《行舍》《行嗔》和《行形》是向京“S”系列中的三件以“蛇”的形态展现主题的作品。向京反思到，在对于人性的隐喻中，“异境”系列作品的动物形态过于温情脉脉，以至于其中没有一件以猛禽的形式呈现的作品。在“S”系列中，这种遗憾是以凶险而暴虐的“蛇”的形态展现的。《行形》的身体语言还延续着“这个世界会好吗？”系列作品中温存的白色基调：“善变、随形、不止，代表行动变化的身体，沉思自在”。不过从完成时间上看，《行形》反而是最晚完成的作品，绿色基调的《行舍》才是向京在“S”系列中以“蛇”的形态呈现的第一件作品：“行舍”意味着“行动的居所，寄居灵魂的躯壳”。

向京《行形》

“多维透视”章节侧重于自然学科对艺术观念的介入：来源于数学、物理、天文学、生命科学等领域的历史成果和最新发现，经由艺术家的转译和想象，伴随着表达媒介与技术的演进，以各种可视性的表现方式，对应和揭示着世界表相之下的不同图层，其中蕴含着关于未来和形而上秩序的猜想。

展览现场

“可见的浪漫：与北京有关的记忆与想象”

 “可见的浪漫”展览的初衷是从散乱的美术史篇章里，查找出不同代际、不同性别、不同群体的艺术家，将他们完成于北京的作品汇聚一堂。

 展出的50件（组）作品，包括绘画、摄影、雕塑、装置和录像等多种媒介，创作年代分布于自上世纪五十年代以来的各个时期，最早的一件作品是戴泽作于1953年的水彩画《中央美术学院》；这些作品被设置于相隔30余公里的两个不同地点：其一是毗邻首都机场的国家对外文化贸易基地（北京）展厅内，搭建起一个带有不同形状“月亮门”的北京旧式院落；其二是位于市中心东长安街北侧的友谊艺术社区（原北京友谊商店），在这座始建于1964年的“中国首家大型涉外零售企业”的商铺搬迁腾退后不久，它前所未有地变为一个展示当代艺术的临时场所。

展览现场

每一件艺术作品，既有其在艺术系统内部的坐标，也有其所处社会历史时空的定位，策展人试图提取和显现这些信息，逐一为每一件（组）展品编写了简短的文字介绍，在看作品之外，增加了一种阅读的可能性，并希望在“看”与“读”的双重作用下，去接近展览中的39位创作者，渴望以他们那些曾经有过的记忆与想象，来激活观者各自的记忆与想象。

王玉平《鼓楼东大街、馄饨侯》

 张伟《OR18》