2019惠特尼双年展的摄影作品

展馆：纽约·惠特尼博物馆

展览时间：5.17 - 9.22 

tag: #展览# #艺术摄影# #博物馆# 

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惠特尼博物馆(Whitney Museum of American Art)的创始人格特鲁德·范德比尔特·惠特尼于1932年推出了惠特尼双年展（Whitney Biennial）。这是是美国历史最悠久的展览，展示了美国艺术的最新发展。本届展览的策展人Jane Panetta和Rujeko Hockley访问了300+位艺术家，最终选取了75位艺术家和艺术团体的作品，涵盖绘画、雕塑、装置、电影、摄影、音乐、表演等多种类别，其中包括了15位与影像相关的艺术家。（入选名单见文末）

今天我们选取了其中最受关注的7位摄影艺术家做一次分享，包括Todd Gray、Elle Pérezt、Heji Shin、Paul Sepuya、Josh Kline、John Edmonds、Curran Hatleberg。

Todd Gray（b. 1954） 

MFA'1989，加州艺术学院CalArts摄影系

出生于加利福尼亚州洛杉矶，现居洛杉矶和加纳Akwidaa。

Todd Gray的作品来自他在过去四十五年积累的照片档案。从好莱坞到加纳（他在那里设有工作室），这些图像被艺术家选中以探索黑人的边缘身份和历史剥削语境之间复杂的关系。 对于2013年开始的正在进行的Exquisite Terribleness系列，Gray将照片拼贴分层排列，创造出碎片化的构图。Gray用于拼贴画的许多个人照片都是按照他自己的创作意愿拍摄的。其他的一些照片则是受人委托，包括许多他在20世纪70年代和80年代初期作为迈克尔·杰克逊的私人摄影师所拍摄的。 杰克逊对Gray而言并不是一个名人或具有争议的重要人物，但作为一种全球现象，他的传奇地位有助于Gray在工作中构建并探讨复杂的问题。

迈克尔·杰克逊于1993年被指控犯有儿童性虐待行为，然后在2005年对该罪行进行了审判和无罪释放。最新指控是在2019年早些时候发布的一部关于HBO的纪录片。

Elle Pérezt (b.1989)

MFA'2015，耶鲁大学摄影系

出生于纽约Bronx，现居纽约Brooklyn。

Elle Pérez的照片展示了如何推进身体的体验，主题包括改变自己，改变自己的身体，创造快乐，痛苦，交流和自我认知。一个人满怀欲望地盯着镜头，挥舞着肌肉发达的手臂；一位刚完成脸部手术女性，她的眼睛，瘀伤如花绽放； “DYKE”的纹身，在肌肤的血液中显现；一只手拿着一瓶激素在发光。通过调用摆弄、怀旧、爱欲、痛苦和美丽，这些图像证明了改变或不可改变之间转换的丰富性。

艺术家认为，这些照片“既不是对现实的反映，也不是对人格的印记”，而Pérez的作品是研究为人类自己创造新的现实的过程，以及摄影也是如此：不是对世界的复制，而是一种改变。

“虽然本次展览范围广泛，但展览仍透过了挖掘历史来重新思考现在或什至未来，从金融、种族、性别等议题的公平正义，同时关注气候变化、探索着身体的脆弱性等。”

——Rujeko Hockley

Heji Shin (b.1983)

MFA'20, 德国汉堡应用科技大学摄影系

出生在韩国首尔，现居纽约。

Heji Shin这组照片描绘了婴儿出生后的动作，聚焦在婴儿的头上。她和助产护士一起寻找愿意与她合作的女性，Shin创作的照片对艺术史中对于母亲的一贯认知而产生不适感，同时又也让拍摄婴儿片的商业摄影感到不悦。在她的镜头下，这些婴儿的脸是紫色的，皮肤是褶皱的几乎不成人形的，但即使刚出生的这些生命在摄影师记录的第一时刻还没有意识到人性，他们已然是人了。

Shin的拍摄还包括时装和其他类型的商业摄影，她希望能推进观众与她创作的主题进行交流，像这样直白地展示了分娩和性这样充满活力的有关于身体的主题。  

Paul Mpagi Sepuya  (b.1982)

MFA'2016, 加州大学洛杉矶分校UCLA摄影系

出生于加利福尼亚州San Bernardino，现居加利福尼亚州的洛杉矶。

自21世纪初以来，Paul Mpagi Sepuya围绕着艺术家和相机以及形象之间的关系进行创作。他的工作室空间在创作中发挥着重要作用，三脚架、镜子和相机本身成为作品的一部分。为了创作，Sepuya进一步扩展了他的项目，通过邀请朋友、爱人和其他艺艺术家到他的家或工作室与他一起拍摄，以此挑战传统中关于创作者的概念。由此创作出的是有关艺术交流和身体亲密接触的作品。

他拍摄自己工作室的照片，让人感到特别的温柔和亲密。在许多作品中，身体是部分呈现的，碎片式反映在镜子中或被其他形式遮挡，观众可以想象那些缺少的东西，进一步与观众进行了交互创造性的交流。

Josh Kline (b.1979)

出生于宾夕法尼亚州的费城，现居纽约布鲁克林。

Josh Kline的创作主要围绕技术、政治和劳动力，他采用新的工具和材料来改造和评论一些核心文化。Kline在2014年开始了这个科幻小说的作品，想象当下人类的可能性和毁灭时刻。在早期的项目中，Kline假设了如果极端的政治派别主义，经济不平等和大众自动化继续有增无减，可能会发生什么。 在这里，Kline将他的注意力集中在灾难性的气候变化及其系统性原因上。 

美国电力场所的照片呈现在LED灯有色玻璃的后面，看上去带有药瓶的色调。Kline的照片最初是用手机拍的，经过多次被水冲刷，艺术家将其描述为“将图像反复的冲洗，就像噩梦或创伤般的记忆一样”。 尽管Kline的工作受到了“反乌托邦”影响，但他坚持认为“未来还未到达，它是在当下形成的”。

John Edmonds (b.1989)

MFA'2016，耶鲁大学摄影系

出生于华盛顿特区,现居纽约的布鲁克林。

在他的作品中探索了亲密和欲望美学的可能性，黑人的共性和自我意识成为他作品的核心。 回顾他的早期作品，Edmonds精心编排了他的主题和场景，参与和挑战艺术历史上的经典肖像。Edmonds使用4x5和Hasselblad中画幅，更好的帮助每张图像和细节的呈现。高分辨率和细致的组合刻画了摄影和“黑色”之间的细腻关系。 

引用哈莱姆文艺复兴肖像的遗产，结合来自非洲的物品（一些来自传统背景或者用于装饰目的），Edmonds将有色人种重新定位为自我的个体，这与20世纪20年代和30年代现代主义摄影中流行的叙事手法是相反的。他经常将黑人客体化，通过光线和构图细致的安排，强调了黑人皮肤的光泽，突出了颧骨的边缘，以及画面中一些木制品的光泽。Edmonds通过拍摄肖像，审视并庆祝了黑人的身份和喜欢表现的文化。

“这次2019年惠特尼双年展展出的这组艺术家名单，是一种兼具年轻、与多元化的组合，这样的策划方式将导演观众直接关注新兴艺术家。大部分展出艺术家都是有色人种，其中四分之三的人年龄在40岁以下。甚至进一步地来说，这组名单中只有五人过去曾在惠特尼展出。” ——策展人 Jane Panetta

Curran Hatleberg (b.1982)

MFA'2010，耶鲁大学摄影系

出生于华盛顿特区，现居马里兰州的巴尔的摩的。

Curran Hatleberg的照片是他在美国各地旅行的产物。凭借直觉，他记录了他对美国地貌、城镇和美国人的观察，同时融合了记录摄影和肖像的传统。在每一个新地方，他会花时间去了解当地人，短则数日，长则好几个月。肖像从这些关系中产生，拍摄对象积极的参与他的创作。 在照片里，他构造了在现实生活中无法解释的细节，使得看似日常的场景呈现出超现实的氛围。

Hatleberg的照片虽然被认为是非常美国的，但同时他对确切的设置或叙述存在着一种梦幻般的模糊性使得观者无法随意假设，从而对拍摄主体的想象保持开放态度。艺术家的目的是利用摄影来破除偏见，并在差异化和距离感中寻求理解。 

Whitney Biennial 2019 入选摄影艺术家：

Alexandra Bell

Lucas Blalock

John Edmonds

Forensic Architecture

Ellie Ga

Todd Gray

Curran Hatleberg

Tomashi Jackson

Josh Kline

Troy Michie

Elle Perez

Carissa Rodriguez

Paul Mpagi Sepuya with additional works by Dicko Chan, James Garcia, Ariel Goldberg, Clay Kerrigan, Clifford Prince King, Giancarlo Montes Santangelo, Emerson Richard, A.L. Steiner, Peter Tomka and Derrick Woods-Morrow

Heji Shin

Martine Syms

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