看展览｜草间弥生：我在宇宙中看到爱的花束

近日，在德国柏林的马丁－格罗皮乌斯博物馆举办了日本著名艺术家草间弥生的“A Retrospective”艺术展。展览按照时间顺序展出了草间弥生50年代至今的部分作品，涵盖了博物馆两层的十四个展厅。作品小至日常用的杯子，大到几十米高的装置，每件作品都透露着草间弥生对于宇宙、虚无、无限和生命的思考。

《我在宇宙中看到爱的花束》，2021，复合材质，16 x 11 x 1,25-2.5 cm

波点是草间弥生作品的标志性特征，从60年代开始，波点从她的绘画里渐渐延伸到所有的作品种类中。

展厅中，黑色波点荧光粉的巨型充气装置在这次展览中最为醒目。马丁－格罗皮乌斯博物馆内部是新古典主义的建筑风格，柱廊和墙面雕花都展现着强烈的欧式风格。但荧光粉色的装置作品却打破了这种空间的寂静感，如同一股新生力量向上攀爬。

50年代：游离于具象与抽象

这个时期的草间弥生还未完全脱离“写实”，作品处于具象和抽象之间。但此时已经呈现曲线、漩涡和点状图案。作品标题也多是具象的物体，例如《树》、《花蕾》等。作品大都以红色和黑色作为主色调，把画面氛围烘托得非常不安。草间似乎更希望让观众融入到她的世界里，感受她的情绪。正如其所说：“我画画是因为我无法用语言表达。”

《草间弥生的展览海报》，1952，54.0 x 38.2 cm

上：《堆积的尸体》，1950， 油画与瓷漆， 72.3 x 91.5 cm。左下：《动物》，1952，水粉和粉彩，27.0 x 18.7 cm。右下：《两颗种子》，1952，粉彩和墨水，27.0 x18.7 cm

《堆积的地面》，1950， 油画与瓷漆，72.5 x 91.0 cm

60 年代：无限网点

草间弥生在50年代末开始制作网点画，无限重复的半圆形笔触给予了画面蕾丝一般的质感，她希望透过这种独特的视觉语言来表达无尽的概念。“无限”可以说是草间弥生作品的核心理念和基调，她认为这些网点具有无限的延展性，能使被覆盖的物体与周围的环境无缝连接。因此，把这些网点覆盖在绘画，雕塑，甚至自己身上，这是她对于无限的执着与追求，她说“我忘记了自己，因为它们（网点）将我包裹起来”。

《无限网 A》，1965，油画，132.0 x 126.0 cm

60年代初，草间弥生对填充织物的迷恋达到了巅峰。白色的填充物附着在沙发，椅子，梯子，鞋子等日常物体上，形成了超现实主义的空间。

《梯子》，1966，丙烯与木材，252. 0 x 57.0 x 155.0 cm

左：《扶手椅》，1963，集合艺术，96.5 x 96.5 x 127.0 cm。右：《无题》，1963，集合艺术，93.0 x 81.9 x 92.0 cm

《通心粉包》，1965，手袋与镀漆通心粉，34.0 x 33.0 x 15.0 cm。包体上覆盖上一层通心粉，并将其喷漆成金色。

《集合体：千船展》，1963，划浆船与白色填充物，60.0 x 130.0 x 265.0 cm。使用棉花等复合材料做出了无数个白色的根状物体，暗示着性。创作于她人生中低谷的时期，这也是她最早的堆积风格作品。

《无限镜室-法利之野》，1965，镜子与填充物，250.0 x 455.0 x455.0 cm

《无限镜室-法利之野》是草间弥生1965年在纽约Castellane画廊的开幕展览。这个空间被镜子所覆盖，地上散乱地摆放着饰有红色波点的根状物。如同当年的展览一样，这次在柏林的展览观众也可以进入这个空间亲自感受。镜面的反射构成了无限重复的概念，红色的波点也是无限延展的象征。草间弥生也曾穿着红色连体衣躺在这个空间中，她化成了其中一个红色的波点。观众进入这个空间也化作了这个作品的一部分，成为了宇宙无限的网点中的其中一个。

《那耳喀索斯花园》，1966，350个银色镜面球（1966年原作品一共1500个）

《自我遗忘》，1966，照片，20.3 x 25.4 cm。这是1966年的关于草间弥生16毫米电影《草间的自我遗忘》的记录，这也是她第一次尝试使用电影作为艺术呈现形式。

在这个时期的草间自由且充满实验精神，她在纽约和阿姆斯特丹分别策划了几场迷幻的视听灯光秀，她在派对狂欢人们的裸体上涂抹五彩的波点。

《裙子》，1968，手绘连衣裙，191.0 x 79.5 cm。草间创作的派对服装以及当时肖像照片。

70年代：拼贴迷幻

1970年代草间弥生回到日本，并在此期间专注于绘画作品。这时期的作品回归了部分具象的特征，并大量使用拼贴画的技术。迷幻的画面呈现出了超现实主义的风格特征。

左上：《抓昆虫的男人》，1972，拼贴画，50.5 x 43.0 cm。左下: 《我-承诺自杀的人》，1977，拼贴画，39.5 x 54.5 cm。右上：《花与自画像》，1973，拼贴画，53.0 x 42.0 cm。
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《自画像》，1972， 拼贴画，74.4 x 44.0 cm

1970年代末，回归日本10年后的草间弥生在Jardin de Luseine展出了《灵魂的邂逅》，这是她初次实现整个建筑的展览，创造出一个身临其境的体验。带有波点的作品放置在建筑物里的每一个角落，并在楼梯上铺了长长的纺织物。

《我的血海》，1976，粘土和布料，尺寸不一

《鞋子》，1976，陶瓷，16.5 x 18.0 x 28.0 cm

80年代：堆积风格

草间弥生运用了大量的填充手套塑造出不同的物体，比如匍匐在地上的生物，绳索，餐桌盛宴等。重复的手套展现着草间的堆积艺术风格特点。手套在这里寓意着手的触摸，暗示着一种亲密关系。通过“触摸”这些日常的物体达到抹去自己的个性并融入其中的理想境界。

《红花》，1980，填充手套，467.0 x 106.0 x 52.0 cm

《红色水平线》，1980，填充手套，360.0 x 342.0 x 9.0 cm

《夏天的尽头》，1980，复合材质，尺寸不一

《自我遗忘》，1982，50个方盒子，288.0 x 288.0 x 30.0 cm

《花粉》，1986，填充物体集合，170.0 x 88.0 x 88.0 cm

《温柔是通往天堂的阶梯》，1990，丙烯，162.0 x 130.0 cm。

《天国的启示》，1989，丙烯，194.0 x 390.0 cm

90年代-00年代：波普艺术

90年代的草间弥生运用明度更高的色彩，这使得她作品中的“波普艺术”特征更为明显。在这个年代她也重置了很多60、70年代的作品。

背景图：《无限网点-信浓之路》，1999，丙烯，194.0 x 521.2 cm

人体雕塑：《香格里拉的女人》，2002，复合材料，1:1真人大小

在这个作品里，色彩缤纷的人体雕塑上的覆盖着网点，地上的意面也是无限网点的延伸。草间弥生把意大利面铺在地板上，体现她所描述的“对食物的迷恋”。

《南瓜》，1998-2000，不同材质，尺寸不一。黄色波点南瓜是草间弥生近年来最知名的品。

00年代-至今：沉浸体验

在无限镜像空间里置放着无数的波点南瓜，这是她延续镜像空间系列的作品。一个密闭的六边形空间，参观者通过一个小窗口窥视这个无限空间，称为《窥视秀》。

《南瓜的灵魂降临至天堂》外观，2015，复合材质，200.0 x200.0 x 200.0 cm

《南瓜的灵魂降临至天堂》内部，2015，复合材质，200.0 x200.0 x 200.0 cm

无限镜室是草间弥生的新作品，也是本次柏林个展备受瞩目的作品。无限镜室系列已经延续了将近50余年，在作品中运用了闪烁的LED球体灯，它们变幻着色彩。当观众置身于这个空间时，仿佛被色彩所吞噬，融入其中。给观众沉浸式的体验正是草间弥生对自己作品的追求，体现了草间的自我净化的哲学理念，也就是抛弃“我“的特征，让个体与无限的宇宙相融合。这个概念贯穿了她将近70年的艺术生涯，体现在各种形式的作品里。正如展览的标题，这次柏林的草间弥生回溯展是她献给我们的“宇宙中爱的花束”。

《无限镜室-永恒无限的灯光》，2020，复合材质，300.0 x 615.0 x 615.0 cm

展览时间：2021年4月23日至8月15日

展览地点：马丁－格罗皮乌斯博物馆(Gropius Bau)，德国柏林

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