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乔尔·斯坦菲尔德的六堂街头摄影课
赵倩男 春熙照相馆
Eric Kim是一位韩裔美国街头摄影师，他经常在自己的博客上分享街头摄影的心得和技巧，语言平实，内容实用，颇为用心。此次，他从乔尔·斯坦菲尔德（Joel Sternfeld）的影像和访谈中总结出六条建议，对摄影创作者卓有启发。
乔尔·斯坦菲尔德的六堂街头摄影课
文 | Eric Kim
译 | 赵倩男
乔尔·斯坦菲尔德是同时代最杰出、最具影响力的摄影师之一。他1987年出版的大画幅彩色影集《美国景象》（American Prospects）是当时极具革命性的彩色摄影作品。受罗伯特·弗兰克的启发，斯坦菲尔德开着一辆小型大众面包车用三年时间走遍美国各地，试图捕捉独特的美国景象。在申请古根海姆基金的报告中，他写道：“一个从小生活在传统美国社会秩序中的人，迫切希望在日趋统一、科技化，且令人不安的美国中发现和谐与美。”
虽然斯坦菲尔德以大画幅彩色风景闻名，但他最初是一个真真正正的街头摄影师，在芝加哥和纽约街头，他使用莱卡相机和闪光灯拍摄，在《第一张照片》（First Pictures）这本影集中我们可以看见他早期的街头作品。
这些35mm相机拍摄的照片非常迷人，从类似加里·威诺格兰德、威廉·克莱因和罗伯特·弗兰克的照片，过渡到使用8×10相机，类似于沃克·埃文斯和安塞尔·亚当斯的摄影实践，乔尔·斯坦菲尔德摄影历程是非常完整，且有源头。
1.让照片自己说话
“最开始拍摄街头时，我会给照片起一个俗气的标题，比如，‘孤独’或‘希望’。但我很快意识到，给照片命名是件很无趣的事儿，因为它将观者拒之门外，剥夺了他们编造解释的权利。”
事实上，不管是35mm的街头快照，还是8×10的大画幅景观，斯坦菲尔德的命名原则都是一样的：时间加地点。他觉得这就是给观众全部、且足够的信息了，不需要过多解释，有时他会透露一些额外信息，比如“一只筋疲力尽的大象叛徒”。
他最著名的照片之一是弗吉尼亚麦克莱恩的农贸市场，画面中前景处带着头盔的消防员正在买南瓜，远景处他的同伴正在救火，南瓜的黄红色和火焰的颜色形成呼应。
乍一看，这幅作品有点超现实，第一眼看到，你会想：这到底是是怎么回事？真实情况是火灾只是一次消防演习，买南瓜的消防员插空休息一下而已。
如果斯坦菲尔德在图片下面写一长串说明：消防员在消防训练的间隙去买南瓜，那么所有的悬念和乐趣就荡然无存了。
斯坦菲尔德曾公开承认，照片是有能力操作观众的，2004年在接受《卫报》采访时，他说：“在360度的世界里拍摄一张35度视角的照片，那么没有任何一张单独的照片能说明任何问题，这就是为什么摄影如此美妙，而且会产生多义解读的原因。”
在另一次采访中，斯坦菲尔德解释了相机的取景框是如何操作和改变对一幅场景的解读的：“摄影一直都是可以操控的，更微妙、且有点令人错愕的是，任何时候你用取景框观看世界，都是一种新的解释。我可以举起相机将眼前的两个人纳入画框，同时排除了右边无家可归的第三人和画面左侧正在溜走的谋杀犯，就是这样，拍下一张照片有无数选择。”
斯坦菲尔德的说法挑战了摄影恒久的问题，关于“真实性”。他说：“任何声称纪实摄影是绝对真实地观点都不可信，霍克尼说战争报道摄影是真实的，这过于简单了，就像说所有非小说类书籍都是真实的一样。永远不要忘记这是作者化的真实，照片和书一样，我们要问自己：对作者及其背景了解多少？对这个主题又了解多少？”
“有些摄影师很直白地操纵照片，比如安德烈亚斯·古斯基（Andreas Gursky），他争辩说，30、40年代的直接摄影也不是全然的真实。安塞尔·亚当斯会在镜头上装滤光镜，花几天时间在暗房里对底片进行加工，这也是操纵。恕我直言，连布列松也有类似的行为。”
单幅照片不能讲述一个完整的故事，照片总是拥有“令人信服的谎言”。摄影具有天然的逼真特质，因而摄影师获得了这种带有真实性的货币，但让这种媒介说什么，如何说，正是摄影师的工作，他们得了解这种善用“谎言”的工具。
2.先上路
自驾游是件浪漫的事儿，尤其在美国。无数摄影师都这样做过，著名的《美国人》也是罗伯特·弗兰克在旅行中拍的。
斯坦菲尔德受其影响，促成了他1979—1983年旅行照片的集合《美国景象》。他的旅行有时几周，一个月，有时则持续整整一年。
行程贯穿整个美国，而且使用8×10相机需要对每张照片精确处理，加上胶片非常昂贵，这意味着拍这些照片不像用35mm那么容易。
就个人而言，体验美国，没有比开车更好的方式了，路上还会遇到有趣的朋友，甚至和他们同吃同住，但旅行也有很乏味的一面，比如一天开好几个小时车。但在广袤的土地上行驶，总能激发灵感。
3.关注景观
斯坦菲尔德最初是一名拿着35mm相机的街头摄影师，但你也许会问，景观和街头有什么关系？
其实，他对待景观的方式和街头摄影的灵魂非常相似，来听听他自己怎么说：“我主要拍摄美国景观，因此必须找到方法表现其中本就存在的美丽。景观向我们展示了人类的过去和现在，一些重要的时刻。我的意思是景观是地球表面的真实存在，对景观的研究告诉我们很多关于我们自己的事情。”
我们在街头拍摄，实际上也是在试图分享“人类时刻”，人的生存现状和社会信息，这也是一种自我探寻。
街头摄影的画面也不一定要有人的存在，可以学着斯坦菲尔德的方式去拍摄一些城市景观，这也属于街头摄影的范畴。斯坦菲尔德所拍摄的不仅是美丽的风光，其图像内涵要深得多，是关于人类和整个美国社会的。
4.把照片印出来
《如何与Steidl制作一本摄影书》（How to make a book with Steidl）是部值得一看的纪录片，其中详细记录了斯坦菲尔德与世界著名的Steidl出版社一起工作的过程，也是《iDubai》这本书的诞生过程。
数千张4×6尺寸的照片打印出来摆满了桌子和地面，斯坦菲尔德陷在其中，他在海量的图片中选取少部分，试图通过图像的组合来创建含义。
事实上，即便在数码时代，我们可以更方便地用电脑或者ipad阅读并编辑照片，但很多摄影大师依然会将作品打印出来，尤其是编辑画册的时候。透过光线反射而被看见的图像拥有别样的温度和视觉刺激，这是屏幕发光体无法唤起的体验。
5.明智的选择美学外观
一名摄影师的风格通常包含两方面：一是主题，二是美学。
就拿《美国景象》这本使斯坦菲尔德名声大噪的作品来说，他用了彩色大画幅，这是绝对明智的选择，大画幅和色彩给画面增添了细节信息，因而产生了更强烈的描述力。
尽管他早期受弗兰克黑白摄影的启发，但他从职业生涯开始就一直选择彩色，Kodachrome胶片良好的清晰度和柔和色调让他的作品拥有耐人寻味的美学外观，斯坦菲尔德说过：“摄影师也必须像画家那样选择自己的调色版。”
他受到同时代彩色大师的启发，诸如威廉·埃格尔斯顿、斯蒂芬·肖尔和海伦·莱维特，并且扩展了色彩的意义：“黑白是抽象的，色彩不是。看黑白照片，观众实际上是看着一个陌生世界，而彩色照片更接近真实。反而，彩色摄影师的工作是不依靠黑白本身提供某种程度的抽象，使图片脱离日常。”
现代摄影师的一个问题是对图像美学外观的操纵过度了：低对比度的黑白，高对比度黑白、棕褐色、低饱和或者高饱和，选择色调，HDR等，更不用说PS带来的无限后期可能。事实上，多变的外观不是好事，保持一致性更明智。在职业生涯中坚持把一种美学特征运用到极致，比如使用同样的胶片或者焦段，甚至是数码预设，再做微小调整。
6.为自己铺路
和所有艺术工作一样，摄影师也是苦苦挣扎，试图找到自己的风格。起初灵感可能来自其他大师，做他们的追随者和模仿者。但后来的道路往往是放弃这种追寻，更长时间专注于自己的作品，让图像在时间的酝酿中生发出所谓的风格。
埃格尔斯顿在斯坦菲尔德身上打下烙印，他在达特茅斯（Dartmouth）主修艺术时，对彩色摄影着迷。60年代末和70年代初，他一直不断尝试，拿着35mm莱卡和大量Kodachrome胶片在纽约街头逡巡，试图找到自己风格。但最终必须走自己的路：
“像所有人一样，我被埃格尔斯顿深深迷住了，但我知道要被记住，就必须去他没去过的地方。埃格尔斯顿拍摄的是具有诗意的快照，但我一直都倾向于叙事，于是，我沿着这个方向努力探索。”
著名的“赫尔辛基公交理论”（Helsinki Bus Theory）是2004年6月阿诺·拉斐尔·闵奇恩（Arno Rafael Minkkinen）在新英格兰摄影学校上与台下的毕业生分享了一个简单的理论。其中摄影师的职业路径被比喻为不同的公交线路，许多人的问题是频繁切换路线，但是通过“停留在该死的公共汽车上”，只要坚持足够长的时间，最终会找到自己的风格。
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原标题：《乔尔·斯坦菲尔德的六堂街头摄影课》
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